Olivier Larivière est un artiste figuratif de 43 ans particulièrement doué et prometteur. Son parcours jusqu’à aujourd’hui est simple : il naît à Saint-Germain-en-Laye ; il étudie, il voyage et, à présent, il vit et travaille à Montreuil. Le point clé est qu’il commence à dessiner très petit, encouragé par sa mère. Il prend l’habitude irrévocable de la figuration avant d’être mis au contact avec l’art contemporain qui pourrait l’en détourner. Rencontre. 

Né en 1978, Olivier Larivière bénéficie d’une formation éclectique : après un début aux Beaux-Arts de Rouen, il intègre ceux de Paris dans l’atelier de Pat Andrea. Il passe ensuite une année à New York, puis une autre à la Casa de Velásquez, à Madrid. Durant ses études, il s’intéresse particulièrement à l’illustration et à la photo. Ces pas de côté enrichissent son regard sur la peinture et tout particulièrement sur sa capacité à évoquer le monde et la vie des hommes. 

Olivier Larivère est marqué par certains artistes du XX^e siècle, comme ceux de l’Ash Can School, ou encore, plus près de nous, Lucian Freud et Marlene Dumas. Il aime les peintres qui ont le coup de pinceau puissant comme Eric Fischl ou Frans Hals. 

Picturalité 

Olivier Larivière consacre beaucoup d’attention aux matières et à la picturalité de ses œuvres. Sa facture est très personnelle : haute en pâte, elle est gestuelle et râpeuse. Parfois, un tracé en bâtonnets accentue la rudesse du toucher. Il pratique une sorte d’expressionnisme retenu qui donne de la tension et même une violence sourde à sa manière. Il alterne grandes compositions théâtrales et gros plans voyeuristes. L’immensité de certains fonds vides contraste avec des cadrages serrés sur des vues bien remplies. Souvent, ses ambiances sont nocturnes et ses éclairages frontaux, de type flash. Enfin, il aime présenter ses toiles en « écosystèmes » pour créer une atmosphère, une circulation du regard, le sentiment qu’on entre dans un univers. 

Mélancolie 

On sent qu’Olivier Larivière est taraudé par une recherche de sens. L’aspect prosaïque de ses personnages et de leurs occupations est teinté d’une vague hébétude, d’une attente, d’un spleen. Il fait sentir le contraste entre la profusion matérielle de notre temps et sa vacuité spirituelle. L’esprit des hommes est très souvent en surplus par rapport à ce qui serait nécessaire pour faire face aux situations ordinaires. Toute la condition humaine est dans ce surplus. Il y a toujours une partie de nous-même qui est inoccupée, qui s’ennuie, qui est prête à se mettre à tourner en rond dans la mélancolie. Larivière a le chic pour faire comprendre cette configuration caractéristique de l’existence humaine.

Incommunicabilité 

Dans la géométrie plane, deux droites quelconques sont séquentes sauf si, par exception, elles sont parallèles. Dans l’espace à trois dimensions qui est le nôtre, c’est très différent : les droites ont beau pointer dans toutes les directions, elles n’ont aucune chance de se croiser, sauf cas rare d’appartenance à un même plan. Les personnages de Larivière pointent leur attention dans diverses directions, mais leurs regards ne se croisent pas. Chacun est seul. Ce n’est pas qu’ils y mettent de la mauvaise volonté, c’est qu’il s’agit d’une donnée presque géométrique, c’est dans la nature des choses. Le modèle par défaut des relations humaines est l’incommunicabilité. Cet artiste l’a bien compris et il le fait sentir clairement. Il a un talent particulier à montrer dans un même lieu des personnages issus d’univers différents et n’ayant aucune chance de se rencontrer. 

Narrativité 

Comme nombre de jeunes artistes, Olivier Larivière fait partie d’une génération qui redécouvre la notion de sujet et la dimension narrative des images. Quel sens faut-il d’ailleurs donner à ce mot de « narratif » qu’on emploie de plus en plus ? Il dérive du latin « nosco » prendre connaissance, connaître. Une peinture narrative fait connaître quelque chose qui s’est passé, une bribe plus ou moins significative de l’existence. De même, quand on amène quelqu’un devant le juge, on dit qu’on le cite. Quand un peintre ou un auteur fait revivre un ou plusieurs personnages pour ses lecteurs ou regardeurs, il y a récit. Jusque-là, rien n’implique que la narration ou le récit soient des suites de scènes à la queue-leu-leu. 

Évidemment, un roman, un film, une histoire ont tendance à être séquentiels compte tenu de la linéarité des moyens d’expression concernés : on déroule une bobine, on tourne les pages, etc. Cependant, la narrativité de la peinture est d’une autre nature. Elle se prête mal à une organisation séquentielle. Sa force consiste à entrer dans une sorte de mystère de l’instant. 

En prenant des photos trouvées sur Internet dans un contexte qui lui échappe, Olivier Larivière présente des instants de vie dont on ne connaît ni l’avant ni l’après. Ce sont des situations assez troublantes dans lesquelles on accède aux briques élémentaires de l’existence sans rien savoir des chronologies auxquelles elles contribuent. 

Site : www.olivierlariviere.com 

Article paru dans Artension 168, juillet 2021

L ’authentification d’une pièce s’évalue à trois sources : l’œil des experts, le traçage des propriétaires successifs et, enfin, les analyses physico-chimiques. Longtemps, le regard autorisé suffit ou, du moins, prévaut. Quand on aime Rembrandt et que l’on connaît intimement son œuvre, on se sent à même d’apprécier si une toile est digne de l’idée qu’on se fait du maître. C’est ce qui s’appelle avoir de l’œil. Cependant, un bon tableau qui rappelle le style de Rembrandt n’est pas forcément imputable à ce dernier. Ainsi, alors qu’au début du XX^e siècle on attribue 1 200 œuvres à Rembrandt, seules un peu plus de 300 sont maintenant admises.

L’œil, le traçage et les analyses

C’est pourquoi des éléments d’appréciation plus techniques s’imposent. Tout d’abord l’étude de la provenance, c’est-à-dire la reconstitution historique du parcours de l’œuvre. Évidemment, on rencontre un problème lorsqu’il s’agit par exemple d’une pièce sortant de nulle part, trouvée fortuitement dans un grenier. Viennent ensuite les analyses physico-chimiques qui bénéficient année après année des progrès technologiques. Un faussaire qui veut réussir son coup doit donc présenter une œuvre de belle facture, fournir une provenance crédible et, enfin, utiliser des matériaux de nature à ne pas alerter les laboratoires.

En ce qui concerne les tableaux concernés par l’affaire Ruffini, dont la plupart présentent une très belle manière, la provenance est un peu sommaire mais recevable. Enfin, les matériaux sont compatibles avec les analyses en vigueur au moment où les pièces sont proposées. C’est dire qu’en dépit de quelques doutes d’expert, ces tableaux sont longtemps considérés comme authentiques. Le hic est principalement lié à l’évolution des technologies : on repère a posteriori des substances incompatibles avec les datations affichées. Évidemment, les analyses scientifiques peuvent être contestées et c’est à la justice de trancher.

Un impressionniste du XVII^e siècle ?

Le cas d’une peinture supposée de Frans Hals est particulièrement emblématique. Force est d’admettre que, si c’est un faux, il est très bien fait. Quelle différence avec les faux Vermeer des années 1930 et 1940, si pâteux, si grossiers qu’ils jettent le doute sur la capacité de toute une époque à apprécier la peinture ancienne. Dans le Frans Hals putatif dont il est question, on retrouve le coup de pinceau, le fa presto, tout ce qu’on aime aujourd’hui chez cet artiste. C’est peut-être cela justement qui aurait dû alerter les experts : trop beau pour être vrai ? Toujours est-il que le conservateur du Louvre chargé du dossier fonce tête baissée. « C’est le Louvre qui vous parle ! », affirme-t-il aux sceptiques. L’enthousiasme est tel que la Commission des trésors nationaux est saisie et qu’elle décide, en 2008, ni une ni deux, du maintien en France d’un tel « trésor ».

Pourquoi Frans Hals suscite-t-il un engouement qui endort la vigilance ? Pour une raison qui dépasse son indéniable talent : plusieurs générations de conservateurs sont formées dans la saga de l’impressionnisme et de la montée à la modernité. Frans Hals avec sa touche enlevée, son non finito, est apprécié en tant que grand précurseur. Comme on allait jadis chercher dans l’Ancien Testament des signes annonciateurs du Nouveau, de même une relecture de l’histoire de l’art tend à refléter et conforter les conceptions de notre époque. La peinture en question présente des hachures et coups de pinceau particulièrement affirmés. Le visage est même plus haché que ce qui s’observe habituellement chez Frans Hals. C’est une œuvre qui répond presque mieux au regard actuel sur cet artiste que ce que l’on connaît de lui par ailleurs.

Il faut comprendre que le faussaire présumé trempe, lui aussi, dans la même culture que les conservateurs. C’est elle qui le guide et c’est encore elle qui se dégage de son œuvre et emporte l’adhésion. Cette circularité est probablement l’aspect le plus intéressant de cette affaire. Les faux (si faux il y a, en l’occurrence) ont cette particularité étrange de refléter leur époque.

Un Arsène Lupin de la peinture

Disons un mot de Lino Frongia, artiste romain né en 1958, le principal faussaire présumé. Il attire une sympathie certes discutable, mais bien réelle, à la façon d’un Arsène Lupin de la peinture. D’abord par son talent. Peu de gens, en effet, ont à notre époque la technicité, et même l’art subtil, de nature à produire des copies d’ancien ou des œuvres à-la-manière-de crédibles. Cependant, Lino Frongia est aussi un peintre figuratif proche du réalisme magique. Comme beaucoup d’autres artistes à des années-lumière de l’art contemporain, il n’atteint jamais la reconnaissance à laquelle il aspire probablement. Il a la réputation d’être quelque peu ombrageux. Comment ne pas imaginer qu’il tient une sorte de revanche à affoler les enchères de la part d’un milieu qui lui dénie son talent ? Dans les mois et années qui viennent, il sera passionnant de suivre cette affaire, et notamment de connaître le verdict de la justice.

Vincent Noce, limier romantique

« Quand Serge July m’a demandé de chroniquer le marché de l’art pour Libération il y a 25 ans, j’ai été frappé de constater que l’essentiel de l’information médiatique portait sur les dizaines de millions d’euros attendus ou obtenus dans les ventes aux enchères, ce qui passait bien au-dessus de la tête des lecteurs… »

« J’ai choisi une autre option : chaque œuvre a une histoire à raconter. L’art a un prix, certes, mais il n’est qu’un de ses constituants. L’émotion
esthétique ressentie à la vue d’une œuvre, mais aussi les circonstances de sa production et les différentes facettes de son histoire sont constitutives de sa substance. Elle est portée par des hommes et des femmes, artistes, collectionneurs, marchands, experts ou historiens… et malheureusement filous et escrocs aussi. Au fil de ces découvertes, je me suis ainsi également attaché à la recherche sur les vols, pillages et trafics d’art ainsi que les faux qui infestent le marché. »

Né en 1951, Vincent Noce se signale d’abord par une jeunesse militante. Scolarisé au lycée Henri-IV, il fonde les CAL (comités d’action lycéens)
et devient l’un des leaders de Mai 68, porté par une sensibilité d’extrême gauche. Par ailleurs, il est familiarisé très tôt à l’art, sa mère, artiste,
étant notamment une proche de Picasso. Il entame ensuite une carrière de journaliste qui le mène rapidement à l’Agence France-Presse (AFP) puis à Libération. Dans ce journal, il a une activité de critique d’art. Très vite, il dépasse une approche purement esthétique en devenant, chose rare, un véritable journaliste d’investigation dans le domaine culturel. Il livre notamment des enquêtes particulièrement fouillées sur les faux et les trafics. À présent, il est journaliste et conseiller éditorial à la Gazette Drouot et correspondant en France de The Art Newspaper. Il est, aussi et surtout, un amateur d’art passionné et un fin connaisseur.

Article paru dans Artension, Mars 2021